Evolución de los nombres de las calles de Bilbao

A raíz de las memorias de mi abuelo Vicente Gómez García, que coincidió con Gregorio Balparda en el Costa Quilates,  me ha dado por investigar el tema de la evolución de los nombre de las calles de Bilbao y he encontrado este artículo, muy interesante: http://ccec.revues.org/3000

Sigue leyendo “Evolución de los nombres de las calles de Bilbao”

Acerca de Fox Talbot

http://foxtalbot.dmu.ac.uk/talbot/t_or_ft.html

The phrase ‘Fox Talbot’ is so harmonious and rolls off the tongue so easily that it is almost universally used for his name today. Many of his contemporaries who did not know him well did the same. However, this form of address was most certainly not warmly embraced by the subject himself! The ‘Fox’ so often associated with his surname was one of his given names, as it was a family name of his mother, Lady Elisabeth Feilding (the outspoken daughter of the 2nd Earl of Ilchester). Perhaps out of deference to Lady Elisabeth, Henry signed some of his books and journal articles ‘H. Fox Talbot.’ In fact, Talbot was known to family and close friends nearly always as ‘Henry’. He signed his letters ‘H.F. Talbot’ or ‘Henry F. Talbot’ far more often than ‘H. Fox Talbot’.
The Fox was only a middle name and Talbot’s surname was never hyphenated, but it is not unusual to see it so treated in secondary literature. In fact, the occasional library card catalogue has Talbot filed under ‘F’, a problem made even more serious by the ubiquitous computer sorting of today. But even this confusion in sorting is not a new problem – in 1823, Henry wrote to his mother from Naples that “I observe you always direct to me Fox Talbot by way of discrimination, but it does rather the contrary. For, the letters are here distributed from different windows, according to the different letters of the Alphabet, and the other day I found no letter for me under T, and accordingly asked for letters for Mr Fox when they immediately produced one from you”.
Further evidence that Henry himself had little enthusiasm for the ‘Fox’ is revealed in an a letter of 1842 to his mother on the birth of his only son: “You know we had fixed on the name Charles Henry, but if you wish it we can make it C.H.F.T. Constance says she is quite willing.” Even the reluctant offer to incorporate the F. here was not a reference to the family name of Fox, but rather a homage to his beloved late step-father, Admiral Feilding.
A final clue to Talbot’s own feelings on the subject is the fact that among the more than one-hundred photographic prints and negatives that Talbot signed himself, there is not a single one – not a one – where he used the word ‘Fox’ as part of the signature!

Gomez 1951 029

Gomez 1951 029, originalmente cargada por Mr.FoxTalbot.

Foto sacada en Bilbao a finales de los años 50. Presumiblemente por mi abuelo Vicente. Los que sale son mis tío Jesús, Javier, Ignacio y Pedro de mayor a menor.

Es raro que sea un negativo cuadrado, por el tipo negativo y de desenfoque se parece a mi Rolleicrd LLB. Lo raro es que mi abuelo tenía una cámra de 6×9 y una de 35mm, pero no una de negativos cuadrados de formato medio. Por lo tanto esto se sacó, bien por otra persona o con una cámara que le prestaron.

Por el tipo de desenfoque de los árboles del fondo (el bokeh famoso) podría ser una Rolleicord (llevaba veiente años en el mercado).

Once Per Day

Rolleicord IIb

Laboratorio Fotográfico en La Bagatela

LABagaltea

En vista de los pocos laboratorios fotográficos  abiertos al público que hay en Madrid, el Futuro Laboratorio Fotográfico de La Bagatela ya está preparándose! La idea es ampliar la oferta de talleres de La Bagatela ofreciendo cursos de fotografía analógica y de revelado y positivado en blanco y negro.

¡Seguiremos informando!.

Gaspard Felix Tournachon – Nadar

No es solo el mejor retratista del XIX sino que además fue el primero en sacar fotos aéreas y en usar luz artificial.  He encontrado por casualidad esta fotos suya en “3D” en la Wikipedia y he tenido que subirla.

Qué tío más grande!

http://es.wikipedia.org/wiki/Gaspard-F%C3%A9lix_Tournachon

Actualización 13/3/2012:
Aquí hay muchas en alta resolución (via Blank Paper):
http://commons.wikimedia.org/wiki/Nadar

A. Lumiere & ses fils – Caja con Negativos de Gelatino-Bromuro

A. Lumiere & ses fils

Y entonces llegó la placa seca. Esto parece una cosa antigua (tiene más de 100 años) pero en realidad era bien moderna: Placas emulsionadas y listas para usarse que después podían almacenarse durante meses. El proceso fotográfico dominante antes de este invento obligaba a sensibilizar las placas justo antes del uso y revelarlas antes de que se secaran. La popularización de la fotografía viene de aquí.

El gelatino-bromuro es un procedimiento fotográfico creado en el año 1871 por R. L. Maddox y mejorado en el año 1878 gracias a los trabajos de Charles E. Bennett que acabó desplazando al colodión húmedo, a partir del año 1882.

Este proceso básicamente supone en sus inicios el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro de cadmioaguagelatinasensibilizada con nitrato de plata, que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento, lo cual pone fin a uno de los grandes inconvenientes del colodión húmedo.

Al conseguir Charles E. Bennett mejorar la sensibilidad del gelatino-bromuro dejando secar durante más tiempo la placa emulsionada, consiguió rebajar el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que nos permite acercarnos al concepto de instantánea fotográfica.

Las placas secas “al gelatino-bromuro de plata” se fabricaban en industrias. Se compraban en cajas que debían abrirse en un cuarto oscuro, con débil luz roja, para cargar los chasis. Y una vez expuestas, se podían revelar sin prisas, días después, al regresar de los viajes. Uno de los fabricantes de placas secas fue: “A. Lumière & ses fils”, de Lyon (Francia), que recibió grandes premios entre los años 1889 y 1900. Además de la sociedad Lumière, otros destacados fabricantes fueron: “Guilleminot & Cie.”, y “Agfa”.

A. Lumiere & ses fils
"Societe Lumiere" - Reverse

Lumiere e hijos, Lumiere & sons. I got a bunch of old “Dry plates” (glass negatives) inside this box, I´m going to try and scan/photograph them as well as I can.

A. Lumiere & ses fils
Lumiere & sons / Lumiere & ses fils (Detail)

Como usar una Kodak Brownie Model C

Gonzacameras ha dado con una bonita cámara de principios de los cincuenta y he indagado un poco por la interweb  para echarle una mano al muchacho.

Kodak Brownie Model C - photo by gonzocameras
Kodak Brownie Model C - photo by gonzocameras

El manual lo he encontrado aquí

Por lo que estoy leyendo sí que tiene temporaizador. Si lo aprietas tal cual debe ser entre 1/30 y 1/60. Si quieres exposiciones más largas lo tienes que mantener apretado.

Kodak Brownie Model C - photo by gonzocameras
Kodak Brownie Model C - photo by gonzocameras

El tipo de peli que usa es 620, que es muy parecida a 120, la típica de medio formato (la de hasselblad, rolleiflex, pentacon y todo eso).  La puedes comprar en cualquier tienda de equipo profesional. Lo malo es que luego tienes que pasarla a un “spool” (bobina) de 620, que son más estrechas. Aquí te lo explican en detalle, lo malo es que hay que hacerlo a oscuras.

El enfoque es fijo a una distancia hiperfocal, como las cámaras de usar y tirar. Vamos, que a partir de 2 metros más o menos está todo enfocado (en el manual pone 8 pies, que son 2 metros y medio aprox)

Kodak Brownie Model C - photo by gonzocameras
Kodak Brownie Model C - photo by gonzocameras

Aquí tienes más info general sobre la cámara:
www.brownie-camera.com/articles/petelutz/article.shtml

Actualización:

Igual puedes comprar película de 620 en Jessops y no tener que hacer el trapi de cambiar de bobina, echa un vistazo: http://www.brownie-camera.com/buyfilm.shtml

Ya me contarás.

Sony Cybershot MVC-FD73

Mavica FD-7 Advertisement
Scanned by Benj Edwards

de 1998
40 – 400mm f/1.8 to f/2.9 zoom (on a 35mm camera)
0.3 Megapixels (640x480px)
3.5´ Floppy disk storage
650$
Gracias a Zutoia que fue quien salvó esta joya de la basura.

Sony Cybershot MVC-FD73Sony Cybershot MVC-FD73

See a more complete contemporary review of this camera here

The Sony Mavica MVC-FD7 Digital Camera
by Robert Bruce Thompson

Pournelle waxes lyric about the joys of using Olympus digital cameras, and I’m sure he’s right. Of course, he then goes on to detail the troubles he’s had transferring images to his PC and getting them massaged into a form usable on his web site. Not ready for Aunt Minnie, indeed.

I’ve been playing around with a digital camera—a Sony Mavica FD7—that my friend Steve Tucker bought recently. Sony is not a mainstream name in digital cameras, and the Mavica certainly marches to a different drummer in design and features. But before you rush out and plunk down your cash for that Olympus, take a look at what the Sony Mavica has to offer.

Let’s get the bad part out of the way first: the Mavica’s maximum resolution is only 640X480—not very high by today’s standards. As a matter of fact, when Steve showed me his new acquisition, my first thought was that he’d made a serious mistake. The more I play with it, though, the more I think he probably made a very good choice.

On the plus side of the ledger, the Sony stores images directly on its internal high-density 3.5″ floppy drive. The diskettes it produces are vanilla PC disks—readable by any DOS or Windows computer. This means you don’t have to mess with cables or transfer software to get the pictures from the camera to a PC. You can simply pop the diskette into a PC and copy the image files. For that matter, the Mavica has a copy utility built-in. If you want to give a copy of a picture to someone, you can simply copy that image (or the entire disk) and hand the duplicate diskette to him.

Another nice thing about the Mavica is that it uses standard JPEG format. Each image is stored as an individual .jpg file, with an identically named .411 file that contains the timestamp and other information about that image. You can opt to store images in either “standard” (compressed JPEG) or “fine” (uncompressed) form. An average fine image requires about 60 KB of disk space, while a standard image requires only 30 KB or so. Although the file size varies according to the particular image, you can typically store 15 to 20 fine images or 30 to 40 standard images on one floppy—about the same as a roll of film. Unlike the roll of film, however, you can easily delete your failures and reuse the disk space for a good shot.

Because the Mavica stores images natively as .jpg files, putting them up on a web site is trivially easy. You can simply copy the image file directly from the Mavica’s floppy disk to your web content folder and create a link. I’ve put several examples up on my web site at http://www.ttgnet.com/mavica_samples.html. These are straight, unretouched versions. I did nothing other than copy the file from the disk to the web folder. I suppose I could use Photoshop to clean them up a bit, adjust the contrast, and so forth, but I think they look pretty good as is.

Still another advantage of the Sony is its lithium-ion rechargeable battery. Most digital cameras eat batteries, but the Mavica’s appetite is small. Although I haven’t verified the numbers, the manual states that a fully charged battery allows about 500 shots without flash, or about half that number using the built-in flash (which operates automatically from about 6.5 to 13 feet). Other operations—formatting or copying disks, viewing images, and so forth—reduce battery life, so the numbers Sony provides are likely optimistic for real-life use.

However, even using high-consumption modes and pessimistic assumptions for battery life, the Mavica allows you to shoot the equivalent of about 10 rolls of film on one charge, and that’s not too shabby. The camera provides a count-down timer that tells you how many minutes are left on the battery, based on the current operating mode, so the battery is unlikely to die unexpectedly. The included fast-charger takes 2.75 hours to complete a “normal” charge and an hour longer for a “full” charge. Additional batteries are available for about $50.

The Mavica FD-7 has a pretty decent lens. It offers a 10:1 zoom ratio—from 4.2mm to 42mm—the equivalent of a 40 – 400mm zoom on a 35mm camera, or mild wide-angle through long telephoto. The lens has a variable maximum aperture of f/1.8 to f/2.9 which, in conjunction with the ISO 100-equivent sensitivity of the CCD, allows shooting without flash under most conditions. The lens normally operates in autofocus mode, with a range of one inch to infinity, although you can use manual focus in special situations.

Shooting pictures with the Mavica is pretty straight-forward, although it seems strange at first to hold the camera several inches from your eyes to use the viewfinder. Using the Mavica viewfinder reminded me of my large-format days. The Mavica’s built-in 2.5″ TFT color viewfinder is just a smaller version of the ground-glass focusing screen on the old cherry-wood Ansco 11X14 view camera (with a red-dot Artar, no less) that I used to use.

At least the image on the Mavica is right-side up. Old habits die hard, though, and I found myself moving the camera the wrong direction to account for the reversed image I expected to find in the viewfinder. You won’t have that problem if you’re not used to a view camera, though. Overall, the Mavica viewfinder is easy to use once you get the hang of it, and is bright enough to use outdoors as long as direct sunlight is not impinging on it.

By default, the Mavica works as an auto-everything, point-and-shoot camera, although you can override exposure and focus settings manually for special situations. The camera also offers several built-in modes to handle difficult exposure situations—backlighting, beach shots, etc.—and built-in themes that allow you to automatically generate various effects, including pastel shots, sepia, monochrome, and so forth.

You use the viewfinder to frame and compose the shot. Pressing the shutter release gently locks the auto-exposure, auto-white-balance, and focus settings, but does not capture the image. Pressing the shutter release a bit harder captures the image and stores it to disk. This process takes about four seconds, so the Mavica is not ideally suited for shooting fast sequences.

The images the Mavica captures are reasonably good—certainly much better than I expected. While no one will mistake them for Kodachromes, they’re more than good enough for family snapshots. We output some of them on two different printers to get an idea of the quality one might expect, with the following results:

Printed at 3X5 on an HP inkjet on regular paper, they’re very usable. On special photo-grade glossy paper, they’d be easy to mistake at first glance for standard drugstore prints.
Printed at 8X10 on the HP inkjet on regular paper, the low resolution and digital artifacts become more obvious, and the image becomes blocky and muddy, although it still holds together. Using the glossy paper doesn’t improve things much at anything bigger than about 4X6.
Printed on a $10,000 thermal-transfer printer, the images appear photo-realistic at 3X5, and are still pretty decent at 5X7. No matter how good the printer, however, the limits of 640X480 resolution mean that 4X6 or 5X7 is about the upper limit.
All printed images degrade over time, and the archival storage qualities of images printed with ink-jet inks is an open question. It’s probably safe to say that that they’re much less stable than even standard C-prints, let alone Cibachromes or dye-transfers. However, because the source data is a digital file, permanence of the printed image is of much less concern. You can simply protect the data files as you would any other computer file, and reprint the image any time you need to.

Overall, I was pretty impressed by the Mavica. I’m thinking of getting my first digital camera soon, and the Mavica will certainly be on the short list of candidates. You can get a Mavica FD-7 for about $650 from PC mail-order places and the New York camera stores. If that’s more than you want to spend, for a couple hundred less you can get a Mavica FD-5, which has a lesser CCD, fewer modes, and a fixed-focus, non-zoom lens. If you’re looking for a digital camera to grab family snapshots or images to put up on your web site, the Sony Mavica FD-7 is more than Good Enough….”

Manahttan, uso mixto

10 Junio – 27 Septiembre 2010
“Museo Reina Sofia”
Madrid


Bernd and Hilla Becher - New York Water Towers

Catherine Opie

Moyra Davey - Kiosks
Moyra Davey - Newsstands

Ese toque de flash, muy bien!

Cindy Sherman
Cindy Sherman

Cindy Sherman! La pobre no tenía artíuclo en la wikipedia española. Hasta hoy.

Zoe Leonard, reloaded.
La Señorita X, wondering about Zoe Leonard´s photos.

Sigue sin gustarnos Zoe Leonard / We still don´t like Zoe Leonard

Photography pioneers

This is personal note for my further investigation. It was taken from this site, all credit to them.

ANGELO SALA (1576 - 1637)

Self-educated chemist that experimented with silver salts.
In 1614 published that the paper containing silver nitrate reacted
 with sunlight causing it to darken. Same observations were made by 
Robert Boyle, who unfortunately gave the wrong explanation by stating
 that the above reaction occurred due to air and not by sunlight. 

JOHANN HEINRICH SCHULZE (1687 – 1744)

German professor at the University of Altdorf. With experiments, proved that silver nitrate becomes dark due to sunlight and not by temperature. He is the first that created photograms with paper masks, which unfortunately could not last due to lack of paper fixer. His observations that opened the path, for the creation of photography became know after his death.

CARL WILLIAM SCHEELE (1742-1786)Swedish scientist, self-educated. He used to work as an assistant in pharmacies and showed a talent in chemistry from a very young age. In spite an offer made to him to study in London or Berlin, he operated a pharmacy in Kφping where he spend the rest of his life and made all his important inventions. He was especially interest on chemical analysis and worked particularly with the chemical reactions between silver nitrate and sunlight, therefore making a break through in the chemistry of photography. The records from his experiments were of a great importance for the next generations of scientists.

 

JOSEPH NICEPHORE NIEPCE (1765-1833)

French multi-talented inventor. In 1826, (after trying since 1814), invented the “heliogram” and became the first man ever to fix a print. The “heliogram” as a method was extremely time consuming, since it required long time exposures (his first photograph needed eight hours of exposure time). In 1829 he sighed a contractual agreement with Daquerre in spite of the fact that the latter developed a photographic method of his own after Niepce died in 1833.

 

THOMAS WEDGWOOD (1771-1805)

Son of a well know pottery maker called Josef Wedwood. In spite of his health problems and the interruption of his studies, continues to experiment with silver nitrate, in order to record photogramms and images from camera opscura. He finally made it with the help of his friend Davy, one of the most important chemists of all times. Unfortunately he had no way to fix the prints, so he was destined to view them under very dimmed light in order to prevent them from darkening.

 

SIR HUMPHRY DAVY (1778-1829)

Chemistry genius, friend and assistant of Wedgwood in his experiments whose results were published at Royal Society, in 1802 by Davy. The problem of “fixing” the images remained in spite of Davy’s breakthroughs in chemistry.

LOUIS JACQUES MANDE DAGUERRE (1787-1851)


Began his carrier as an architect, then moved on to painting and became a successful commercial artist by inventing diorama. He used camera obscura as a helping tool for his painting and became persistent on finding a chemical, easy – way to record images. In 1826 became aware about Niepce’s experiments and signed a contractual agreement with him. After Niepce died, he continued alone and created a method of his own called Daguerreotype. This method, was announced in August 1839 by Arago at the French Academy of Sciences. The French government adopted Daguerreotype and “donated” the method to the whole world and Daguerre became famous and rich.

 

SIR JOHN FREDERICK WILLIAM HERSCHEL (1792-1871)

He alone could have offered all that was needed for the invention of photography but this multi talented scientist needed it much less than all the others.He had many talents including drawing very well.In 1819 he had already discovered the ability that “hypo” had to fix the photographic images and he is the one who solved the “fixing” problem of pictures that his friend Talbot had.He was the one who first used the terms “photograhy” “negative” positive” and “snapshot”.He was the first to photograph glass negatives and in the end he discovered a different photographic method called cyanotype.His contact with other important scientists of his time in Europe and his new ideas in many scientific fields made him without a doubt the leading figure in the English scientific community.

WILLIAM HENRY FOX TALBOT (1800-1877)

Professor of literature, egyptologist, mathematician, classicist, physicist, transcriber of chaldean cueiform texts, who with his inventions on photography created the foundations for the development of this art and science for the next one hundred and fifty years. After a trip to Italy, where he used camera lucida for complicated designs, decided to discover a more practical and easy way to record images. He succeeded quite early, in 1835 by creating the first negative. His greatest discovery the negative process, minimizes exposure time considerably compared to passed methods. With the help and guidance of his friend Herschel achieves extraordinary results, which announces on January 1839 at the Royal Society and since then English and French argue on who first announced the discovery of photography.

HERCULES FLORΕNCE (1804 – 1879)

Few details are known for his life. In 1824 goes to Brazil and takes part in a scientific mission at the Amazon, where he becomes preoccupied with the idea of recording images from his trip. From 1830 devotes himself to research and experimentation for photography. The above, gives Brazil the ability to claim that is one of the places in the world, where photography was found.

 

HIPPOLYTE BAYARD (1807 – 1887)

The most unfortunate from the pioneers of photography. Discovered one direct positive photographic method. He was the first person to hold a photographic exhibition (for humanitarian reasons) and the first who combined two negatives to created one print (called Combination Printing). As a civil servant and with five hundred franks that received as financial help from Arago for improving his method, prevented him from presenting the discovery of photography at the French Academy of Sciences.

ANNA ATKINS (1799- 1871)

We can consider her the first woman photographer. She studied botanology in a period when access to science and studies for women was almost impossible.In 1841 she came into contact with Talbot who was a friend of her father’s.Immediately she became aware of the possibilities that photography could offer to scientific research.She worked with the procedure of cyanotype a technique which was just discovered by Herschel and seemed much easier to her.Because of the stability of cyanotype many of her pictures still exist to this very day.In October 1843 she published the first book containing photographs which was named “British Algae -Cyanotype impressions”which was completed in a period of 10 years and came before Talbot’s publication”The pencil of nature”

 

 

Ni Daguerre, ni Niepce ni Talbot: John Herschel

John Herschel, es quizá el auténtico padre de la fotografía:

– Sugirió el uso de Ácido Galico como revelador y Thiosulfato de Sodio como fijador.
– Acuñó los términos “Photograph”, “Positive” y “Negative”
– Inventó el Cianotipo

Y todo esto al margen de su trabajo como astrónomo siguiendo los pasos de su padre, William Herschel.

Por cierto, buscando referencias he encontrado esta página que está de lujo.

Vicente Gómez García

Ahí está el abuelo con su Agfa.

En el link salen una 60 fotos, las que he ido etiquetando yo, pero entre las 2.600 fotos etiquetadas como Gómez hay muchas más. Si alguien tiene una cuenta de flickr y se anima a etiquetarlas… lo bueno es que, como el link no dirige a una página (estática) sino a un resultado de búsqueda (dinámico), se irá actualizando a medida que lo etiquetemos.

Cibachrome – Dye destruction positive-to-positive

Filtros Ilford Cibachrome-A en Fotocasión.

“The composition of the emulsion used in Ilfochrome prints is responsible for color purity, image clarity, and being archival. Azo dyes, which provide stable vivid colors, are embedded in the Ilfochrome emulsion are bleached out in processing. Since the dyes are in the emulsion rather than in the chemistry, the image is also much sharper and clearer because the dyes create an anti-light scattering layer which keeps the reflected image from being diffused when viewed. As the colors formed from the azo dye are far more stable, the prints made from the process are archival and insisted on by galleries and art collectors as they will not fade in normal light.” (from http://en.wikipedia.org/wiki/Ilfochrome)


Los Inventores de la Fotografía

Buenísimo este artículo que he encontrado, es de la Biblioteca sobre fotografía de TIME-LIFE y está traducido por Rafael Norma Méndez. A ellos todo el crédito.

 

Después de terminar una conferencia en La Sorbona un dia de 1827, una intranquila mujer se aproximó a Jean Dumas, quien era un sobresaliente químico de la época, quien se presentó a sí misma, como la esposa de Daguerre, el pintor”

Ella decía que su esposo, ” estaba poseído” Estaba convencido que podía hacer imágenes permanentes a partir de las efímeras imágenes producidas por un lente. “ “Tengo miedo de que se haya vuelto loco” comentaba. ” ¿Como hombre de ciencia, usted cree que puede hacerse esto, o mi esposo está fuera de sus cabales?”

“En nuestro estado actual de conocimiento, no puede hacerse.” le replicó Dumas, “Pero no puedo decir que siempre será imposible, ni descalificar a su esposo como un loco por buscar cómo hacerlo.”

Dumas no sólo estaba pacificando a una preocupada mujer: tenía una buena razón para no desechar la idea de registrar imágenes permanentes con la luz. Como químico, sin duda sabía que ciertos compuestos de plata eran reactivos a la luz.; ya desde el siglo XVII , un científico italiano, Angelo Sala había informado que “Cuando se expone el nitrato de plata en polvo al sol, se vuelve negro como la tinta”y que ya se habían registrado imágenes de corta duración con estos compuestos. El problema insoluble enormemente difícil era como“fijar” el patrón registrado, deteniendo la reacción con la luz, de modo que no se desvaneciera la imagen.

En 1727, 10 años antes de que la Sra. Daguerre platicara con Dumas, Johann Heinrich Schulze profesor de medicina en la Universidad de Altdorf en Alemania, hizo las primeras de éstas imágenes efímeras Un día como parte de un experimento que nada tenía que ver con las imágenes de luz, dejó al sol un frasco que contenía una mezcla de nitrato de plata; Descubrió que parte de la solución que había recibido los rayos del sol, se había vuelto violeta oscuro, mientras que el resto de la mezcla retenía su original color blanco. Cuando agitó el frasco, el color violeta desapareció.

Intrigado por este fenómeno, Schulze pegó plantillas sobre el frasco, y lo colocó enfrente a la luz directa del sol. Cuando posteriormente retiró las plantillas, allí estaban los patrones delineados por el sedimento oscurecido de alrededor, estaban los patrones blanquecinos ; es decir, las siluetas en negativo, de las tiras de papel. ¿Pero era por la luz del sol, o por su calor, lo que provocaba que los químicos no cubiertos, se oscurecieran? Para responder a esa pregunta, Schulze colocó otro recipiente de la mezcla en un horno caliente y oscuro. No se afectaba; obviamente la luz había provocado el cambio. Justamente la luz del día reflejada los oscurecía con la misma sombra que el sedimento que los rodeaba.

Al principios del siglo XIX, Thomas Wedgwood, el hijo más pequeño de Josiah Wedgwood, el famoso fabricante de cerámica Inglesa, realizó intentos similares con resultados igualmente tentadores. Hizo algunos intentos de registrar imágenes naturales creados por un lente en una cámara oscura, el viejo dispositivo que los artistas utilizaban para proyectar una imagen sobre una superficie de un visor de cristal. Sin embargo, los resultados fueron tan pobres, que se concentró en hacer siluetas tal y como Schulze lo hizo colocando hojas de plantas, y alas de insectos, sobre papel blanco sensibilizado con plata, o con piel blanca, exponiéndolos al sol. Como Shulze, obtuvo imágenes en negativo. Wedgwood intento muchas formas para hacerlos permanentes, pero no funcionaron. Tan pronto como la luz, sin importar que tenue fuese, llegaba a estas imágenes, empezaban a oscurecerse como el resto del recubrimiento.

Schulze Wedgwood estaban en el camino correcto. Las propiedades únicas del átomo de la plata le permiten formar compuestos y cristales que responden en formas delicadas y controlables a la energía de las ondas de luz. En ese siglo XIX, no sólo científicos, sino también artistas, impresores, soldados y hasta clérigos, ayudaron a desarrollar materiales basados en la plata dentro del práctico rollo de película, que ha hecho de la fotografía, una forma de arte para cualquiera. Pero por raro que parezca, la plata no jugó papel alguno en las primeras imágenes permanentes que pudieran llamarse fotografías, hechas aproximadamente en 1824, por Joseph –Nicepore Niépce un caballero inventor y litógrafo que vivía en Schalon-sur-Saone en el centro de Francia. Fueron producidas con asfalto.

Niépce empezó sus experimentos en parte debido a una necesidad del negocio. En el proceso litográfico de impresión tal como entonces era practicado, las copias se producían a partir de una superficie de piedra (lithos) que tenía un diseño que le habían transferido. Muy parecido a la impresión de cortes d e madera, o de grabados. Para producir litografías del dibujo de una línea, por ejemplo, el dibujo tenía primero que copiarse (al revés) dentro de la superficie de la piedra. El hijo de Niépce, Isidoro, había hecho su trabajo, pero se le había llamado al ejército. Niépce no tenía talento para borradores, y decidió idear un método automático para copiar los dibujos de línea dentro de sus piedras litográficas.

Niépce sabía que cierto tipo de asfalto, denominado betún de Judea, se endurecía cuando se exponía a la luz. Él disolvió este asfalto en aceite de lavanda, un solvente utilizado en barnices. Y entonces recubrió una hoja de pewter con la mezcla. Sobre la superficie recubierta puso boca abajo, un dibujo de líneas que había sido aceitado para hacerlo translúcido y después expuso la placa y la ilustración a la luz del sol. El sol endureció el asfalto dondequiera que las áreas blancas del dibujo permitieron que la luz resplandeciera hacia la placa., pero en las secciones protegidas del sol por las líneas negras del dibujo, el recubrimiento permanecía suave y soluble. Después de quitar el dibujo aceitoso, Niépce lavó la placa con aceite de lavanda. Esto eliminó al asfalto suave soluble que no había sido afectado por la luz. Las partes de la placa que duplicaban las partes negras del dibujo original, se eliminaron de la base del pewter y se gravaron con ácido para hacer una copia escarbada. Las líneas gravadas sostienen la tinta para hacer la impresión. A esto Niépce le denominó heliograbado, Del griego Helios que quiere decir sol. Y del francés gravure por grabado. Hizo un número de placas heliográficas de dibujos sobre la Virgen, el Niño Dios, de San José y de otros temas, pero el uso más apasionante que pronto se le ocurrió, fue ¿porqué no colocar sus placas recubiertas con asfalto dentro de una cámara oscura y realizar imágenes directamente de la naturaleza? Con cuidado, puso una placa en la parte posterior de la cámara, apuntó su lente al través de una ventana abierta que daba a su patio, y la dejó así por todo un día. Cuando la placa fue retirada y lavada con aceite de lavanda, contenía una apenas descifrable vista de los techos y las chimeneas. En un intento de obtener una imagen mejor y reducir el impráctico prolongado tiempo de exposición, Niépce intento con un cierto número de materiales sensibles a la luz, incluyendo cobre recubierto con plata. Sin embargo, los resultados no fueron alentadores.

Las palabras sobre los trabajos de Niépce se filtraron a través de Francia y un día recibió una carta de un extraño, un Parisino llamadoLouis Daguerre. Daguerre le escribió que el también estaba experimentando con el registro de imágenes y sugería un intercambio de información. La respuesta de Niépcefue cautelosa. Profundamente desconfiado, le escribió a un socio de negocios de Paris en Febrero de 1827, para investigar a Daguerre “ Este caballero, a quien no conozco lo suficiente, ha sido informado, del objeto de mis investigaciones, y me ha escrito desde el año pasado,…. Para hacerme saber que durante largo tiempo, él mismo se ha ocupado con el idéntico objetivo, y me ha preguntado si he sido más afortunado que él en mis resultados. No obstante, si ha de creérsele, ya ha obtenido resultados sorprendentes. A pesar de esto, me ha requerido que le diga yo primero si he pensado que este asunto era acaso posible. No quiero mentirle, Señor, que la aparente incoherencia de sus ideas me ha provocado el no decirle demasiado… ¿Sería usted tan bondadoso cómo para enviarme su información personal sobre Daguerre y la opinión que le merece?

La respuesta fue moderadamente tranquilizadora. “Yo creo,” le contestó su socio a Niépce, qué él tiene una inteligencia poco frecuente, para todo lo que tenga que ver con máquinas y efectos de iluminación, Se que se ha dedicado durante mucho tiempo en el perfeccionamiento de la ‘cámara oscura,’ pero desconozco el objetivo de su trabajo….”

En agosto de ése año, Niépce estaba en París y conoció a Daguerre por primera vez. Excepto por su mutuo interés en registrar imágenes con “la cámara oscura,” aparentemente ambos hombres tenían poco en común. Niépce de 64 años entonces, había nacido en la aristocracia Francesa y era un hombre discreto y reservado con una sólida educación clásica y una excelente formación en ciencia. La Revolución Francesa había diezmado su riqueza, pero continuaba recibiendo suficiente dinero del patrimonio familiar como para permitirle dedicarse la mayor parte de su tiempo a la búsqueda científica. Antes de que se interesara en su proceso fotográfico, él y su hermano Claudio, ocuparon algunos años interesándose en otros inventos, incluyendo un método para extraer el tinte índigo y sobre un motor de combustión interna. Aunque tuvieron éxito en impulsar un bote por el río sena, ningún invento jamás fue viable comercialmente.

Daguerre, quien era 22 años más joven que Niépce, provenía de una familia de clase media, en gran parte autodidacta, y que no sabía casi nada de ciencia pero era sin embargo un hombre extraordinariamente talentoso y lleno de energía. Debido a su destreza para dibujar,Daguerre trabajó de aprendiz con un arquitecto a la edad de 16 años, peor lo dejó después de tres años para convertirse en pintor y diseñador de escenarios para la Opera de París. También era uno de los inventores del Diorama enormemente popular. En este espectáculo, usualmente escenificado en un salón de exhibición especialmente construido, escenas famosas, tales como el interior de la Catedral de Canterbury o panoramas de los Alpes Suizos, que eran recreados con efectos tridimensionales a través del uso de pinturas translúcidas y sofisticada iluminación. Dentro de sus demás talentos, Daguerrebailaba lo suficientemente bien para aparecer ocasionalmente con el cuerpote ballet de la opera, y era un acróbata aficionado con competencia profesional; la caminata sobre una cuerda era su especialidad.

A pesar de sus diferencias en su carácter y formación, aparentemente Daguerre Niépce se simpatizaron en su primera entrevista. Durante los siguientes dos años, se escribían sobre sus trabajos y se reunían de vez en cuando para discutir sus progresos. (Sin embargo, el siempre cauteloso Niépce, revelaba pocos detalles de sus métodos) Entonces en 1929, Niépce le propuso a Daguerre que se asociaran y que entablaran “un trabajo mutuo para la mejora de mi proceso heliográfico, y las diversas formas de aplicarlo, tomando una parte de las utilidades que el desarrollo les permitieran esperar.”

Daguerre rápidamente aceptó y visitó a Niépce para aprender acerca del heliograbado, y para realizar planes para el proyecto conjunto. Después de que Daguerrre regresó a París, los socios jamás volvieron a verse. Durante los siguientes cuatro años, trabajaron separadamente y reportaron sus experimentos por correo. Mucho de la investigación durante ese período estaba enfocado en la aplicación de yodo, el elemento rojizo no metálico que había sido descubierto en 1811. y que se había descubierto que formaba un compuesto muy sensible con la plata. Pero Niépce no vivió para gozar del éxito final de su trabajo. Murió de un infarto en 1833, dejando a su socio para que siguiera adelante con el proyecto.

El 7 de enero de 1839, Daguerre estaba finalmente satisfecho con su nuevo proceso fotográfico y se las arregló para anunciarlo ante la Academia Francesa de Ciencia. Conciente de su propia carencia de entrenamiento científico, y reacio a someterse a un interrogatorio por los miembros de la Academia, Daguerre le solicitó a un amigo científico que hiciera la presentación real para él. Fue un triunfo. Las fotografías, a las que llamó Daguerrotipos, fueron examinadas con sobrecogimiento y elogios entusiasmados.

Al informar sobre las fotografías, el prestigiado Journal of the Franklin Institute de Filadelfia, dijo que los miembros de la Academia“estaban particularmente impresionados con la maravillosa minuciosidad del detalle,.. En una representando el Pont Marie, todas las diminutas depresiones y divisiones del terreno, de los edificios, de los bienes tendidos en los muelles, hasta las pequeñas piedras bajo el agua, todas estaban descritas con una increíble precisión. El uso de una lupa revelaba una infinidad de los demás detalles, completamente indistinguibles a la vista.”:

Daguerre no reveló detalles de su proceso por algunos meses después de su anuncio, y durante este intervalo algunos optaron por considerar un fraude sus fotografías. Una publicación alemana, Leipziger Stadtanzeiger encontraba que las afirmaciones de Daguerreofendían tanto a la ciencia germánica como a Dios, y en ése orden. “El deseo de capturar reflexiones evanescentes no sólo es imposible, como ha sido demostrado por investigaciones alemanas profundas, sino que el mero sólo deseo, la voluntad de hacerlo, es una blasfemia. Dios creó al hombre a Su Imagen y semejanza, y ninguna máquina hechiza por el hombre puede fijar la imagen de Dios.” ElStadtanzeiger sostenía que si tales sabios hombres del pasado como Arquímedes y Moisés ” no sabían nada acerca de imágenes especulares, hechas permanentes, entonces uno no podía más que llamar al Francés Daguerre, quien alardea de tales cosas jamás escuchadas, como el más tonto de los tontos”

La tempestad en un vaso de agua amainó cuando la mecánica del proceso fue revelada en Agosto de 1839. Daguerre había perfeccionado un método fotográfico muy sofisticado. Su material sensible a la luz era el Yoduro de Plata AgI, similar, pero mucho más efectivo que los compuestos usados por SchulzeWegwood Y de algún modo (El registro es vago sobre este punto) había solucionado el punto del problema de siglos para “fijar” la imagen en algo permanente, que no se desvanecía. Daguerre descubrió que un producto químico conocido como hiposulfito de sodio, (cuyo nombre común era tiosulfato de sodio) , el fijador del fotógrafo, disolvía los compuestos de plata antes de que se hubieran transformado en una imagen visible, pero no después. Por tanto, él podía hacer la exposición antes de que ninguna luz golpeara los baños de la imagen en el fijador para detener la acción ulterior de la luz.

A excepción del paso de fijado, el proceso de Daguerre era totalmente diferente del de la fotografía moderna. El daguerreotipo se hacía en una superficie muy pulida de plata, recubierta con una hoja de cobre. Se sensibilizaba al colocarle, con el lado de plata hacia abajo, sobre un recipiente de cristales de yodo dentro de una caja. Los vapores de yodo que se desprendían del Yodo reaccionaban con la plata, produciendo el Yoduro de plata (AgI), sensible a la luz. Durante la exposición en la cámara, la placa registraba una imagen que en ese estado era latente; se había efectuado un cambio químico, pero ninguna evidencia de esto era visible. Para revelar la imagen, la placa se colocaba, nuevamente con el lado de la plata hacia abajo, en otra caja, ésta conteniendo un plato con mercurio caliente en el fondo. El vapor del mercurio reaccionaba con los granos expuestos del yoduro de plata (AgI), En donde quiera que la luz había llegado, el mercurio formaba una amalgama, o aleación con la plata. Esta brillante amalgama resplandeciente por tanto, formaba las áreas luminosas de la imagen. En donde la luz no había llegado, no se formaba amalgama alguna; y por lo tanto, el yoduro de plata sin cambio, era disuelto por el fijador constituido por el hiposulfito de sodio, dejando tan sólo la desnuda placa de metal, que se veía negra, para formar las áreas negras de la imagen.

La definición y el rango tonal de daguerreotipo continúa siendo una de las maravillas de la fotografía. Cualquiera que haya examinado en un rango cercano una de las muy pequeñas imágenes enmarcadas en terciopelo exhibidas en las colecciones históricas no puede quedar sino maravillado por su apariencia de vida, precisamente detallada, con delicadas sombras y naturalmente luminosa. La imagen literalmente es un bajo relieve creado por el mercurio. La cantidad de mercurio amalgamado con la plata en cada punto de la imagen varía directamente con la cantidad de luz que ha llegado a ese punto sobre la placa, y es esta muy gradual acumulación de la amalgama la que crea un rango aparentemente infinito de grises. En reflexión, la amalgama es parecida a un espejo, de modo que las áreas de las altas luces son inusualmente brillantes mientras que el profundo y rico negro de las secciones oscuras son simplemente la placa pulida de plata, que cuando se ve desde el ángulo apropiado, casi no refleja ninguna luz.

Rápidamente el gobierno Francés reconoció el valor de nuevo proceso, y tan sólo siete meses después del anuncio de Daguerre a la Academia, les otorgó pensiones vitalicias a Daguerre y al hijo de Niépce, Isidoro. Pronto el daguerreotipo se convirtió en el adjunto de las funciones históricas. En la inauguración del ferrocarril Courtrai, Bélgica, el Mining Journal Británico informaba en 1840: “La cámara oscura va a ser colocada sobre una eminencia que manda en el pabellón real, la locomotora y el tren de los vagones, y la mayor parte del cortejo, y se pone en acción exactamente en el momento de la entrega del discurso de inauguración. El disparo de un cañón será la señal para una inmovilidad general, la cual debe durar cuando menos los siete minutos necesarios para que se obtenga una adecuada representación de todos los personajes presentes en el evento”

Sin embargo, había críticas al proceso. Aún cuando se le elogiaba como un invento cercano a un milagro, una publicación Británica, The Penny Ciclopedia, se quejaba de que la superficie extremadamente pulida del daguerreotipo “producía un resplandor ofensivo a la vista “ El diario también descubría fallas en la curiosa tendencia de las placas a parecer negativos a menos que se vieran exactamente desde el ángulo correcto. Esto significaba que las imágenes no podían colgarse en marcos, “ya que sería necesario descolgarlos para poder verlos.”

Pero había otras desventajas más importantes que hacían del daguerreotipo un callejón sin salida a pesar de su espléndida calidad. La placa requería de un pulido, sensibilizado y revelado astuto, y la imagen era extremadamente delicada y requería de una protección elaborada contra la abrasión. Sin embargo, la desventaja más grande del proceso era que cada placa era única, no había forma de producir copias múltiples excepto fotografiando al original.

A pesar de que el daguerreotipo continuaría haciéndose por aproximadamente una década, el proceso era obsoleto desde que fue introducido. Había llegado el tiempo de la fotografía, y en Inglaterra un científico ya había inventado el proceso fotográfico moderno. El 25 de enero de 1839, a menos de tres semanas de que Daguerrre lo anunciara ante la Academia Francesa, William Henry Fox Talbotapareció ante la Institución Real de la Gran Bretaña para presentar su sistema de negativo-positivo. Talbot era un hombre decepcionado cuando él daba su apresuradamente preparado informe. El anuncio previo de Daguerre, según admitió posteriormente Talbotfrustró la esperanza con la que yo había buscado durante casi cinco años, a través de una larga y complicada serie de experimentos, la esperanza, a saber, de ser el primero en anunciar al mundo sobre la existencia de un nuevo arte, el cual desde entonces se ha designado como fotografía. Aunque Talbot no fue el primero, estaba decidido a establecer tan pronto como fuera posible, que este proceso era totalmente independiente del de Daguerre.

Talbot era uno de los bastante típicos científicos aficionados que bendijeron a la alta burguesía de principios del siglo XIX. Nacido al Sur de Inglaterra en 1800 en una familia de clase pudiente; su madre era la hija de un conde, y su padre un oficial de los Dragones; Talbotrecibió una educación apropiada en Harrow y Trinity College y fue electo miembro de la Real Sociedad por sus contribuciones a las matemáticas, y sirvió brevemente como miembro del Parlamento. Algunas veces usaba la cámara oscura para ayudarse en sus bocetos, que era uno de sus pasatiempos y recordaba que en 1833, se me ocurrió la idea de lo encantador que sería si fuera posible provocar que estas imágenes naturales se imprimieran perdurablemente y permanecieran fijas en el papel. Pronto empezó con sus experimentos.

Los primeros intentos de Talbot fueron silueta, producidas al colocar objetos sobre papel sensibilizado y exponerlo a la luz del sol; la técnica usada en un principio por Wedgwood. Talbot sensibilizó papel fino para escribir al humedecerlo con una débil mezcla de sal y agua, esperando que se secara, para después cepillar su superficie con una solución de nitrato de plata. Esta operación se repetía varias veces con cada hoja. Pero a diferencia de Wedgwood, Talbot pronto aprendió cómo retardar si no es que detener completamente el desvanecimiento de la imagen . En sus experimentos él observó que la sensibilidad casi se eliminaba en áreas del papel donde fuera excesiva la concentración de la sal. Él aplicó este descubrimiento al humedecer la hoja expuesta en una solución concentrada de sal. (Pronto fue conducido a usar el fijador permanente que Daguerre había descubierto, el hiposulfito de sodio, por su amigo y compañero científico, Sir John Herschel.

Ahora Talbot llevó a cabo la hechura de una silueta un paso más adelante: hizo un papel positivo para imprimirla. La silueta en negativo, esto es la blanca imagen digamos de una hoja de una planta, delineada por las áreas oscuras circundantes, fue colocado con la cara hacia abajo sobre una segunda pieza de papel sensibilizado. Las dos se presionaron debajo de un cristal, y se expusieron a la luz del sol. Un procedimiento que ahora se conoce como impresión de contacto. La luz podía pasar a través de la blanca imagen del negativo y por lo tanto crear una imagen oscura sobre la segunda hoja; mientras que las áreas oscuras del negativo obstruían la luz, de modo que las secciones correspondientes de la segunda hoja permanecían blancas. El resultaod era un positivo que se parecía al original natural, una hoja oscura en contra de un fondo blanco. Esto fue la base para el sistema de negativo-positivo de la fotografía moderna. La prueba más importante fue cuando Talbot aplicó la técnica a una imagen registrada por luna cámara. Después de exponer un negativo en una escena en exteriores, hizo una impresión positiva: una imagen reconocible de la escena.

Con el recubrimiento sensible a la luz usado en estos experimentos iniciales, se podía ver la imagen formándose durante la exposición.Talbot simplemente el papel bajo el cristal si estaba haciendo una silueta, o trataba de ver a través de un agujero en la cámara si estaba tomando una imagen, y cuando la imagen en negativo estaba lo suficientemente pronunciada, detenía la exposición. Pero en junio de 1840, aproximadamente un año y medio después de su aparición ante la Institución Real, Talbot anunció un avance revolucionario; un nuevo elevadamente sensible material en negativo, que registraba la imagen latente sobre papel. Nada podía verse en este nuevo recubrimiento después de la exposición, comentaba, pero “él descubrió que la imagen existía allí, aunque fuera invisible; y mediante un proceso químico, … se hacía que apareciera con toda su perfección. Talbot llamó al proceso Calotipo,” de las palabras griegas Kalos,que quiere decir “hermoso”Typos,” que significa “impresión” ( Fue el amigo de Talbot, Sir John Herschel, quien acuñó el nombre como se le conoce al proceso ahora, a partir de las palabras Griegas “photo” que quiere decir “luz,”“Graphos” que significa escritura Sir Johnfue también el primero que empleo las palabras “negativo y “positivo” para describir el sistema de Talbot )

En los siguientes años, Talbot hizo mejoras sobre su proceso de calotipo, Al aumentar la sensibilidad del recubrimiento, fue capaz de reducir el tiempo de exposición, permitiéndole fotografiar a las personas peor había una falla en el negativo de papel; y Talbot nunca lo pudo eliminar completamente. Las fibras del papel obstruían el paso de la luz durante la operación de impresión, y producían por lo tanto, una fotografía suave y ligeramente borrosa. Cuando el inventor empezó a encerar sus negativos para incrementar su aspecto translúcido, esta distorsión fue erradicada casi por completo, pero la definición del calotipo nunca igualaba a la del daguerreotipo.

Los problemas del negativo de papel se volvieron académicos en 1847, cuando Abel Niepce de Saint Victor. un oficial del ejército primo de Nicephore Niepce, se presentó ante la academia de Ciencias de París para anunciar su nuevo proceso, uno que usaba placas de vidrio recubiertas con una emulsión de un compuesto de plata suspendidas con clara de huevo. Las ventajas del vidrio sobre el papel como una base eran aparentes desde hacía algún tiempo en los demás experimentos: el vidrio no presentaba problemas de textura, era uniformemente transparente y químicamente inerte. Peor hasta que Abel Niepce de Saint Victor. uso la clara del huevo, nadie había descubierto una emulsión que pudiera detener a inmaterial sensible a la luz sobre el vidrio. A pesar de que muchas sustancias pegajosas , incluyendo la baba de los gusanos, hubieran sido experimentadas.

Para preparar su emulsión, Abel Niepce de Saint Victor funcionaba en parte como chef, y en parte como químico. A la clara del huevo le agregaba yoduro de potasio y batía la mezcla hasta que quedara rígida. Esta espuma se difundía uniformemente sobre la placa de vidrio, permitiendo que se secara, y entonces se hacía sensible a la luz al sumergirla en un baño ácido de nitrato de plata.

Sin embargo, los fotógrafos no estaban unánimemente entusiasmados con este nuevo proceso. A pesar de que podía producir fotografías con excelente detalle, gracias a su base carente de textura, la placa inicial de clara de huevo se dañaba fácilmente, y no era más rápida que el calotipo; la calidad de la imagen variaba con la relativa frescura de los huevos; y las placas eran pesadas, estorbosas para manipularse y frágiles. Pero la demostración de lo práctico del vidrio como una base iba a ser de una importancia enorme para la fotografía. Con el descubrimiento de una emulsión mucho mejor unos cuantos años después, los fotógrafos aprendieron a vivir con los inconvenientes y las desventajas de las placas de vidrio.

Probablemente nada podría haber sido más remoto que la fotografía en la mente de Luis Ménard, un químico Francés, cuando descubrió en 1846, que el nitrato de celulosa podía disolverse en una mezcla de éter y alcohol para producir un líquido muy viscoso que se secaba como una película dura incolora y translúcida. Él le llamó a la sustancia “colodión” No podía encontrarle un uso a este fluido extraño, peor los médicos lo adoptaron para cubrir heridas menores. Aplicado como un líquido, el colodión se secaba como un recubrimiento duro impermeable al agua que protegía el área dañada y la mantenía limpia. La idea de usar el colodión como una emulsión fotográfica fue por primera vez planteada por Robert Bingham un químico Británico en enero de 1850.

Recubrir una placa requería de dedos ágiles, muñecas flexibles, y un ritmo bien practicado. Después de verter el colodión en la mitad de la placa, el fotógrafo sostenía el vidrio por los bordes con las yemas de sus dedos, y lo inclinaba hacia delante y hacia atrás, y a un lado y al otro hasta que la superficie estuviera uniformemente cubierta. El exceso de colodión se vertía de nuevo en su recipiente. Después de sensibilizarlo con nitrato de plata, la placa se exponía mientras estaba húmeda todavía, y entonces se revelaba inmediatamente, puesto que Binghan sabía que la emulsión se volvía menos sensible a medida que se secaba. Este proceso se le conocía como ”fotografía de placa húmeda”

Cuando las placas de Colodión se revelaban ácido pirogálico (pirogalol) que se introdujo en el proceso en 1851, el tiempo de exposición podía reducirse hasta tan corto tiempo como cinco segundos. Debido a que esta elevada velocidad permitía la toma de fotografías como jamás había sido posible, los fotógrafos estaban dispuestos a soportar el tedio de preparar las placas y la necesidad de completar el ciclo exposición-revelado mientras la emulsión todavía estuviera húmeda. Fue con estas estorbosas placas como Mathew Brady documentó la guerra Civil Americana y como William Henry Jackson fotografió el Oeste Americano.

Gran número de experimentadores aficionados y profesionales se abocaron a la tarea de mejorar el proceso. Algunas propuestas hechas en publicaciones fotográficas deben haber asustado hasta los lectores menos ortodoxos. A mediados de la década de 1850, el londinenseJournal of the Photographic Society recomendaba humedecer la placa sensibilizad en miel pura. Este procedimiento, afirmaba el diario, preservaría la sensibilidad durante cuando menos cuatro semanas antes de la exposición. El Británico Photographic News prescribía jarabe de frambuesa con el mismo propósito. Aunque no hay evidencia de que algún grupo de fotógrafos siguiera estas sugerencias, el concepto no carecía de algún mérito. Las sustancias azucaradas, tales como la miel y el jarabe, absorben la humedad atmosférica y ayudaban a mantener la humedad y sensibilidad de las placas.

No obstante, la necesidad de humedad para sostener la sensibilidad se volvió menos importante a medida que mejoras graduales en la formulación de compuestos de plata condujeron a emulsiones más rápidas. Peor en 1880, dos innovaciones separadas aunque relacionadas, no sólo hicieron una placa seca más rápida, sino que eliminaron la necesidad de las mismas placas frágiles y de laborioso manejo. El primer desarrollo fue una emulsión basada en gelatina; una sustancia que se procesa de los huesos y la piel del ganado (Binghan había descrito el proceso en 1850). Mantenía su velocidad aún seco, y quizás lo más importante es que podía aplicarse a una base flexible, rollos de película, en lugar de vidrio. Aun cuando las placas de vidrio siguieron usándose por los fotógrafos profesionales durante muchas décadas, (los astrónomos las usan todavía algunas veces) la película de rollo revolucionó a la fotografía al hacerla lo suficientemente simple para que millones de aficionados la gozaran.

La mayor parte del crédito de llevar la fotografía a millones se debe a un imaginativo hombre de fuerte carácter, George Eastman quien contribuyó con varios inventos básicos, financió la investigación de otros, y se apropió de un desarrollo clave de quién lo originó El prototipo de harapos-a-riqueza, empezó como empleado de banco en Rochester, New York . construyó una de las corporaciones más importantes del país, y donó más de $100 millones par alas artes y la educación (la Universidad de Rochester y la Eastman School of Music, los Institutos Tuskegee y Hampton) Aunque no era un magnate de molde, mantuvo anónima su filantropía, y se suicidó de un tiro a los 78 años, después de una larga enfermedad.

Casi desde el día en que Eastman compró su primera cámara en 1877, le dio una mirada amargada a la placa húmeda. “yo compré un equipo” dijo, “ y aprendí que no sólo se necesitaba de un hombre fuerte, sino intrépido para ser un fotógrafo de exteriores” Pronto estaba leyendo toda la literatura fotográfica que pudiera encontrar en la búsqueda de un medio mucho menos opresivo de tomar fotografías. parecía que uno debería ser capaz de cargar una carga de caballo” Un artículo en una publicación Británica sobre una emulsión de gelatina que podía ser usada cuando se secara, ” me inició en la dirección correcta” comentó.

Aunque Eastman no sabía nada de química, había dejado la escuela cuando tenía 14 años para ayudar a mantener a su madre, que había enviudado. Empezó a experimentar con su propia emulsión de gelatina. “Mis primeros resultados no significaron mucho” comentaba, ” pero finalmente llegué con un recubrimiento de gelatina y bromuro de plata que contaba con todas las cualidades fotográficas necesarias..:Al principio quería hacer más sencilla la fotografía simplemente para mi propia conveniencia, pero pronto pensé en las posibilidades de la producción comercial” Trabajando por la noche, frecuentemente sin dormir, empezó a concebir una máquina para producir placas secas masivamente.

Para 1880 había rentado un espacio en Rochester, había entrenado a tres asistentes, y había empezado a vender sus placas a diversas casas de abastecimiento fotográfico. Sin embargo seguía con su empleo en el banco, , hasta 1881, cuando se asoció con Henry Stronguno de los inquilinos de la casa de huéspedes de su madre, y constituyó la Eastman Dry Plate Company Cada uno invirtió $1,000.00 dólares. Pero Eastman estaba conciente de que la fotografía jamás se volvería un pasatiempo popular, en tanto las fotografías se siguieran tomando sobre las incómodas placas de vidrio. Lo que se necesitaba era algo ligero, barato, y lo suficientemente flexible para ponerse en rollos, en pocas palabras, la película. Su propósito se volvió obvio cuando su firma se incorporó bajo el nombre de The Eastman Dry Plate and Film Company

No había nada nuevo sobre el concepto de película en rollo. Casi desde el tiempo de Daguerre, un cierto número de personas habían intentado hacerlo con diferentes grados de éxito, pero nadie pudo producirlo comercialmente hasta que Eastman inventó el equipo para fabricar la película sobre una base masiva. El resultado fue la película Americana de Eastman, un rollo de papel recubierto con una emulsión delgada de gelatina. Después de que la película fue desarrollada, la emulsión tenía que separarse del respaldo opaco de papel, para proporcionar un negativo sobre el cual la luz pudiera brillar a través para hacer las impresiones. La mayoría de los fotógrafos tenían problemas con esta operación, el negativo frecuentemente se estiraba cuando se le quitaba el papel, de modo que la película usualmente se retornaba a la compañía para que fuera procesado.

La nueva película provocó una gran agitación entre los fotógrafos pero tenía poco significado para el público en general, ya que la pesada, cámara de estudio todavía era necesaria para tomar las fotografías. Pero la película en rollo hacía posible otra clase de cámara; una barata, ligera y simple de operar, que hiciera de cualquiera un fotógrafo potencial. En junio de 1888, Eastman introdujo la Kodak Venía cargada con suficiente película para tomar 100 fotos. Cuando sed acababa el rollo, el dueño simplemente mandaba la cámara con el rollo expuesto todavía dentro de la cámara a la Compañía Eastman de Rochester pronto las fotografías reveladas e impresas y la cámara, recargada con nueva película, se regresaban al cliente. La cámara [b]Kodak [/B} de rollo se convirtió en una sensación internacional casi de la noche a la mañana.

En medio de toda la excitación que siguió a la introducción de la película americana y la Kodak, pocas personas prestaron atención a una solicitud de patente archivada en mayo de 1887 por un clérigo de New Jersey, llamado Aníbal Goodwyn Y sin embargo, Goodwin era el inventor de la moderna película de rollo; un plástico flexible transparente con una delgada emulsión, y lo suficientemente resistente para usarse sin un soporte de papel ( como lo es ahora en las películas modernas.)

El punto de partida de Woodwin era un material desarrollado en 1863 de la misma sustancia que había servido como base para la emulsión de la placa húmeda; el colodión, Mezclado con alcanfor, el colodión se convirtió en un plástico muy versátil, celuloide, que podía enrollarse, moldearse, y extruirse en muchas diferentes formas y fue usado para mangos de peines y cepillos y para collares. Pero el celuloide producido comercialmente tenía desventajas severas para los propósitos de Goodwin: no era uniformemente transparente, y se volvía quebradizo en corto tiempo. [b] Goodwin[/b} modificó el celuloide con solventes y finalmente fue capaz de producir su base con un espesor de aproximado entre 0.013 y 0.016 mm. Al principio la película tendía a curvarse debido a que la base sólo estaba recubierta por un lado. Goodwin eliminó el problema recubriendo el otro lado con gelatina sin sensibilizar.

Pero no fue otorgada la patente a Goodwin hasta septiembre de 1898, más de 11 años después de que él había hecho la solicitud. La razón de retraso era una condición común a los pastores; la falta de fondos. Goodwin no podía darse el lujo de hacer las pruebas que la oficina de patentes le requería. Mientras tanto, en Abril de 1889, la Compañía Eastman presentó una solicitud de patente para una película similar que fue otorgada en diciembre de ese año,. La comercialización de la película había comenzado cuatro meses antes.

Para 1900, dos años después de que se hubiera otorgado la patente Goodwin se las arregló para reunir el dinero suficiente para empezar a fabricar su película. Antes de que su firma recién organizada pudiera empezar a operar, Goodwin falleció. Poco después de su muerte,la Goodwin Film and Camera Company, demandó a la Eastman Dry Plate and Film Company, por violación de patente, reclamando que la Compañía Eastman había partido d e su propia fórmula y estaba usando la de GoodwinEl litigios e arrastró por 12 años antes de la Corte de Apelaciones de los Estados Unidos finalmente dictaminara que “La solicitud de patente de Goodwin de 1887 había revelado por primera vez las características fundamentales y esenciales de una película en rollo exitosa.” Para entonces, la propiedad de la patente deGoodwin había cambiado de manos varias veces, y la corte le otorgó $5 millones que fueron para los dueños de entonces, que era The Ansco Film Company.

Los círculos financieros pudieron estar interesados en el juicio, pero significaba poco para las personas de la calle. Para él había empezado una nueva era en la fotografía, con la sencilla y ligera cámara de rollo. Estaba demasiado ocupado tomando instantáneas para preocuparse de quién recibía el crédito por eso.